Je remercie  Dafrec, Seb qui ont contribué largement à l’élaboration de  ce site. Je les remercie de leurs aides précieuses…la patience qu’ils m’ont apportée…sans leurs contributions ce site n’aurait jamais vu le jour…

Les Auteurs

 

un homme et une femme.

 

 

La belle histoire

Tout d’abord, il nous est difficile d’évoquer le film sans  paraphraser ce que merveilleusement avait écrit Yvonne Baby dans Le Monde, en mai 1966. Le film de Lelouch nous donne une vision de ce qui  tous nous rattache… On  pourrait nonchalamment venir ergoter : «c’est un film d’amour, voilà tout !» Mais ce n’est pas une simple histoire d'amour. C’est un film qui parle de l'Amour, d'un Homme et d’une Femme !
Un amour, dans ce qu’il peut y avoir d’universel. Quand ce seront les enfants, caressés par l’image de Jean-Louis et d'Anne, radieux, ils se donneront à leur tour et mutuellement à tout ce qui les sépare. Le récit ne pose aucun concept de l’amour, il n’a pas prise sur les spectatrices ni même sur les spectateurs. C’est une page blanche. Claude Lelouch a créé les archétypes de la femme et de l’homme : Comme la plupart des garçons, Jean-Louis Duroc aime jouer avec les voitures de course ! Son cœur est un moteur qui tourne à treize mille cinq cents tours-minute pour Anne Gauthier, plus calme et réservée à l'image des petites filles dans les cours de récrés ! Sa voix est délicieuse. Elle est la vie puisqu’elle travaille dans le cinéma ? Jean-Louis est bagarreur, cependant, il s’effarouche, dubitatif, quand il doit lui avouer sa flamme. Et, c’est Anne la plus courageuse lorsqu’elle s’abandonne : «Bravo, je vous aime ! »C’est la mise en place sommaire, n’offrant aucune morale, qui nous pousse, soufflée par l’amour, à être un homme ou une femme…De plus, on pourrait dire deux mots concernant le scénario qui, habilement écrit, ouvre une quantité de contrecoups : le début avec son fils au volant de son automobile, la première invitation de Jean-Louis à Anne suspendue, qui ne tient qu’à un fil. La dilatation temporelle lorsqu’elle finit par lui souffler « bravo ! je vous aime ! ». La course exaltée de Jean-Louis au domicile d'Anne absente, puis jusqu’à la plage où ils s’enlacent entourés de leurs enfants. La chambre d’hôtel lorsqu’il lui murmure : «…mais il est mort ? », «non !», pour, plus tard à la gare, « …pour moi il n’est pas mort… »…Mais l’amour ne s’arrête pas là…il continue son ascension… D’ailleurs, c’est tout cet amour prétendu inéluctable qui rebondit littéralement pour se retrouver, lorsque Claude Lelouch réalise : Un homme et une femme, 20 ans plus tard.

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Trouble everyday

Mon étrange...

Coré (Béatrice Dalle), jeune femme, profite de toutes les opportunités pour aller vaquer au bord de l’autoroute. Elle est comme la mante religieuse : elle offre gracieusement ses atouts charnels aux hommes pour les déchiqueter sauvagement par la suite. Shane (Vincent Gallo) s’est marié depuis peu. Il semble vivre avec sa jeune épouse des instants délectables dans un avion qui les emmène à Paris pour leur lune de miel.  Le film nous apprend que tous deux souffrent du même «mal» . En effet, Shane finira par dévorer une jeune femme travaillant dans l’hôtel. Ce qui est intéressant c’est l’interpénétration des deux situations : Coré est atteinte de cannibalisme tendu aux hommes, alors que celui de Shane s’effectue à l’encontre des femmes. Le cannibalisme n’était-il pas la forme sublimée du vœu passionnel de saisir l’autre ? La notion de la possession reste très inscrite dans le récit. Mais la femme est un mystère intangible pour l’homme sage tout comme il doit l’être réciproquement pour la femme ? Ce qui pour Coré résulte de l’enfermement, représenté d’ailleurs par sa détention dans la maison, c’est son avidité de comprendre l’autre, de le saisir, de le posséder, dans ce qu’il peut avoir d’indicible. Il y a une récurrence dans le film quant à Coré et Shane, c’est l’idée de la prise circonscrite par le sexe. Il y a toujours l'image, aliénante, d’être prise ou de prendre. Comme si l’un et l’autre refusaientl’inconnu, l’autre dans ce qui n’est pas réellement tangible ! Ce refusd’ennivrement évoque la rigidité qui se transforme en impuissance. C’est pourquoi, Shane souffre de troubles sexuels comme Coré suggère une forme de frigidité. Ce qui les réunit c’est une sorte d'egocentrisme quant à la sexualité. Ils ne  peuvent jouir que seuls. Shane use de moyens solitaires pour atteindre l’orgasme tout comme Coré y accède par l'incitation à la violence. Ils sont seuls dans leur jouissance. Ils refusent l’autre dans ce qu’il peut être complémentaire dans la relation sexuelle. L’idée très nette qui se dégage du film c’est celle du désir passionnel (invoqué inconsciemment par les deux personnages principaux) de comprendre l’autre dans ce qu’il peut avoir de différent ! Par ailleurs, on peut sentir la notion légère d’un mouvement, d’un passage. La frontière que nous devrions, peut-être, nous interdire de transgresser lorsqu’on n'est plus sur notre terrain mais sur celui de l’autre. D'ailleurs, on peut constater que dans leur quête inconsciente, les deux personnages deviennent l’autre : Shane évoque l’image de la femme dans celle qu’il donne : un individu calme, réservé, qui se métamorphose soudainement en «bête» de sexe. Un peu à l’image de Mister Hyde. Mais ce n’est que dans l’esprit de posséder l’autre qu’il peut être un homme. Coré agit de manière réciproque. Ce n’est que par la provocation volontaire, lorsqu’elle appelle les hommes du regard, qu’elle peut être une femme.  Claire Denis n’oublie pas de souligner un élément capital dans le film, c’est celui de la science. Parallèlement à cette histoire nous avons des docteurs travaillant sur le corps humain, principalement sur le cerveau. Comme s’ils désiraient aussi saisir l’âme humaine dans ce qu’elle peut avoir d’étrange ! C’est cet autre, l’étrange, au quotidien, qui est l’élément fondamental, une sorte de trou dans le film dans lequel les deux personnages s’anéantissent. Aussi, il y aurait un lien logique à tout cela, c’est la mort de Coré provoquée par Shane. En effet, quoi de plus naturel pour celui qui refuse la différence que de vouloir en finir avec elle ! C’est parce qu’il refuse que la femme soit  une énigme qu’elle est pour lui source de frustration. Il croit, «pauvre animal» s’en délivrer par la mort…

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La pianiste

La douleur comme exutoire

Erika Kohut (Isabelle Huppert) vit seule avec une mère humiliante et brutale (Annie Girardot). Prof de piano, elle enseigne au conservatoire de Vienne. Au cours d’un concert privé elle rencontre Walter (Benoît Magimel), bellâtre, doué, au visage angélique. Celui d’Erika exprime la froideur insultante de ces filles qui déçues des hommes,  à cause d'une éducation morale étranglée, ne  pratiquent pas l’amour. Les traits émaciés du visage d'Erika sont très proches de ceux que décrivait Fernand Reynaud lorsqu’il  évoquait, sous les rires, Madame Lelanbeck : «elle a une tête à manger des gâteaux secs»…Erika est une petite fille qui n’a pas su grandir parce qu’elle n’a pas eu son espace ; sa mère l’étouffe. Elle se livre au masochisme auquel sont très liées les petites filles . On note la scène où minutieusement elle se coiffe, se lave les dents, devant la glace, comme le font les jeunes adolescentes préoccupées de leur image. Pour, au final, s’entailler nonchalamment le sexe avec une lame de rasoir, pendant qu’on entend sa maman dire : «le dîner est prêt !» On rigole, pour ne pas pleurer, parce que tout le style de Michael Haneke souligne avec réussite la légèreté. Mais le film, adaptation du roman d'Elfriede Jelinek, n’est pas une rigolade car il peut s’inscrire tout à fait dans notre société contemporaine. Où nous pouvons constater une montée sensible des pratiques sadomasochistes ? Ainsi qu’une très forte inhibition quant à l’expression affective : les couples divorcent,  les désirs s’expriment aussi par le biais d’Internet ou par téléphone… Il semble, d’ailleurs, que ce soit pour cette raison qu’on ne puisse pas rattacher le film à une temporalité exacte !En outre, le film s’inscrit dans une perspective où l’amour serait relié au sacrifice,  à la souffrance, au sang...  Par conséquent, il ne peut s'atteindre que par le biais de la douleur ! Plusieurs autres éléments du film circonscrivent cette idée du sacrifice : le jeune colombien exprime à la télé qu’il a vendu son rein pour pouvoir intégrer les Etats-Unis d’Amérique. La courte séquence animalière évoque le dévouement. La mère d’Erika parle de  sacrifice en faveur de sa fille. La pratique difficile du piano n’est-elle pas aussi une forme de sacrifice quand il faut y consacrer tout son temps ? Finalement, le problème d’Erika rejoint celui de nombreux hommes et femmes. En effet, combien d’entre nous inclinent à un clivage de la sexualité et de l’amour ? L’amour est pur, intangible alors que le sexe révèle ce qui est primitif à l’Humanité. Il ne peut qu’entacher l’idéal de l’amour ! C’est pourquoi, le clivage se justifie. Aussi, la tare d’Erika c’est qu’elle ne peut intégrer une sexualité larvée, qu’elle pense rétrograde, à l’amour. Pour elle le sexe se rattache à la frustration, à la souffrance, à la domination, à l’urine, au voyeurisme. Bref, à tout ce qui est «sale». La chute vers l’animalité devient la condition fondamentale de son plaisir.  De plus, la séquence de la salle de bain, implique l’importance qu’elle donne à son image. Parce qu’elle se considère plus comme objet que sujet. D’ailleurs, il est simple de constater qu’elle est souvent vouée aux regards des autres. Aussi, ce qu’il y a de frappant c’est son désir de contrôle alors que tout lui échappe ! Elle finit par être objet passif, vouée aux aléas du masochisme et à toutes les convoitises des hommes.

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Mortel Transfert

 

 

 

immortelle

De La lune dans le caniveau de 1983, adaptation cinématographique du roman éponyme de David Goodis, en passant par 37°2 d’après le livre de Philippe Djean puis IP5, mettant en scène pour la dernière fois Yves Montand - ces œuvres, simples, exquises, d’un chemin pourtant important, car il existe pour l’auteur d’autres réalisations à son palmarès, ont le mérite de toujours nous bousculer dans notre conformisme. Les œuvres de Jean-Jacques Beineix ont la  particularité de rester inoubliables, de marquer nos mémoires tant elles sondent le cœur et l’esprit par le souffle délicat d’une mise en scène, d’une histoire et de ses personnages à la géométrie psychologique toujours très profonde. Il est simple d’imaginer plusieurs lectures à la première vision de Mortel transfert, dernier film de Beineix (adaptation du livre de Jean-Pierre Gattégno) mais celle qu’on peut vivement soulever du film est celle du trou ! En effet, on peut constater, une continuité d’éléments qui font appel à l’idée du trou : trou de la porte par lequel Michel Durand, le psychanalyste (Jean Hugues Anglade) regarde sa patiente arriver, trou dans lequel il tombera pour tenter de dissimuler le corps d’Olga Kubler (Hélène de Fougerolles), trou naturel et sublime du sexe de la femme dont l’image plane dans tout le film, trou encore dans lequel Michel ira retrouver sa girafe bleue, jusqu’au trou de mémoire rattaché au sommeil dans lequel nous avons la cristallisation de l’énigme. Oui, l’image du trou tient une grande place. Aussi, les petits larcins d’Olga, pratiqués jusqu’au cabinet de son psychanalyste qui sont en quelque sorte, des petits trous qu’elle effectue à son insu…Sans oublier, l’importance du trou quant à la scène inaugurale tout comme celle qui ferme le film, à l’image d’un sexe juvénile. D’ailleurs, l’œuvre de Beineix pourrait ce résumer à un trou tant il se suggère dans tout le film ! Ainsi, on prend conscience de son importance. Mais à quoi pourrait-il bien faire appel ? La première et la dernière scène intensifient le trou, symbolisant l’objet, la matrice, par lequel nous accédons au vivant ! Mais il est simple de saisir que tout individu qui n’accepte pas sa finitude cherche désespérément à l’intégrer pour ne plus en sortir. D’ailleurs, on constate que tous dans le film, demanière très personnelle, cherchent à ne pas rompre avec le trou. Olga, est cleptomane, c’est une manière à elle de vivre sa sexualité (la prise) parce que le vol implique l’idée de la volupté. Idée, d’ailleurs, merveilleusement utilisée dans le film de Benoît Jacquot Le septième ciel. Aussi, les vols, les mensonges qu’elle commet chez son docteur est une manière de rester figée dans son trou, enfermée dans sa détresse. Ces éléments circonscrivent son refus de guérir. Son compagnon, Max Kubler, violent, interprété par Yves Rénier participe à sa névrose : il assume méticuleusement l’argent, et les objets qu’elle dérobe. Il ne souhaite pas briser la relation masochiste qu’il entretient avec Olga. C’est pour cela qu’il ira frapper Michel à son cabinet. Son action souligne le refus de sortir d’un piège dans lequel il est enfermé. La prof de maths (Catherine Mouchet), « j’suis bloquée », tout comme l’éjaculateur précoce (Jean-Pierre Becker), « Pourquoi, vous avez changé d’couverture ? » Ils évoquent des réponses aux questions qu’ils avancent sans décrire le ressentiment exact de leurs actions. Cette situation les met inéluctablement dans une position où ils sont soumis à l’attente. Hélène Maier (Valentina Sauca) veut comprendre les comportements hystériques de Michel. Le commissaire Chapireau (Denis Podalydes) et Erostrate (Miki Manojlovic), surveillent ostensiblement les mouvements de Michel. Leurs attitudes soulignent le désir de rester à leur place respective, dans le souhait peut-être jouissif de prendre l’autre, dont la sexualité est l’image. Michel, lui, est profondément pris dans un potage pas possible (lapsus, autorité, traumatisme infantile); « j’suis foutu » lorsqu’il évoque Olga. Ainsi, chacun dans le film entretient le désir inconscient de ne pas sortir de la place, de laquelle ils accèdent tous à leur existence qu’ils s'imaginent éternelle. Ils donnent l’impression de ne pas vouloir sortir d'une place parce qu’ils semblent avoir peur de la réalité qui les guette. La rupture à cette fixation c’est l’acceptation de la différence. C’est lorsque Michel s’accepte en tant qu’individu «mortel»qu’il accepte les autres. Notammentlorsqu’il s’autorise à l’amour qu’il voue à Hélène aussi, lorsqu’il participe en quelque sorte aux vols de Catherine. La mort volontaire de Armand Zubovic (Robert Hirsch) est traitée comme un mirage. En acceptant la mort, n’est-elle pas d’ailleurs, la forme –subliminale- de la différence, il adhère à la tolérance ? On note que les différentes interprétations, notamment celle taciturne, du père Noël SDF, jouée par Erostrate, rythmées de la mise en scène, apportent beaucoup de légèreté à tout le film. Si le film soulève l'idée de la prise, il évoque aussi notre mort éluctable, traitée par ailleurs avec beaucoup d'humour …La psychanalyse souligne dans le film l'idée d’une renaissance. C’est par elle qu’on finit par accepter tout ce « bourbier » humain, ce qui nous dépasse. On en ressort «plus vivant». D’où l’implication de l’image finale, où on sort de nouveau d’un sexe juvénile. Il semble que Beineix ait voulu nous faire partager son expérience de la psychanalyse : « le cabinet est un lieu de vie et non de mort. On  va chez le psy pour revivre. Ou bien si l’on y meurt, on y ressuscite… »

 

 

 

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Absolument fabuleux

La rupture

Eddie (Josiane Balasko) et Patsy (Nathalie Baye) sont deux quinquagénaires. Adhérentes
«woodstockiennes», elles ont surfé et participé aux cris déchirants, fans de Purple Eyes, Hey Joe, rythmés aux sons électriques des plus apocalyptiques. Mais les temps changent ! Cependant, nos deux héroïnes, vivant à Paris, n’ont rien perdu de leur vocabulaire trivial et excentrique lorsque jadis elles s’adonnaient aux cadences folles desguitares. Vêtues d’accoutrements hétéroclites, panthère au rouge vif orangé, elles traînent les milieux branchés dans l’espoir de décrocher de  nouveaux contrats. On rattache aux personnages une grande névrose, alimentée semble-t-il, par un manque affectif énorme ! Aussi, parce qu’elles se considèrent sans doute comme des has been ! Il est vrai, que Eddie et Patsy sont tout au long du film terriblement seules. Aussi, elles iront jusqu’à se payer des garçons dans l’espoir de s’affranchir de leur manque. Superficielles, pendues au téléphone, buvant du champagne à longueur de journée, Eddie et Patsy reflètent le goût amer de la défaite. On note Nathalie Baye méconnaissable. Josiane Balasko, euphorique, dont les débordements ne nous étaient pas inhabituels, dans une Nuit d'Ivresse de Bernard Nauer. Par ailleurs, nos deux protagonistes à l’effigie d’Edina et Patsy, héroïnes de la série Absolutly fabulous sur BBC dans les années 90, insufflent l’attachement aliénant de la mère pour sa progéniture. Quand la fille juvénile devient une rivale essentielle sous les regards aiguisés d’une mère jalouse ! En effet, Eddie a une fille, Safrane (Mairie Gillain) au visage angélique, réservée, sérieuse, ambitieuse, une sorte d’antithèse maternelle ! Elle voue des sentiments à Jonathan (Vincent Elbaz) qu’elle n’ose  manifester que par le biais de comportements plutôt froids : la soirée d’anniversaire, la rencontre à la fac et dans le café… Il est vrai que Vincent n’est pas clair dans son «travail d’approche» lorsque, par exemple, il rode autour de la maison de Safrane et de sa mère. N’aurait-il pas été plus simple de lui manifester directement son désir de la connaître davantage ? Le récit semble nous faire entendre les difficultés relationnelles rattachées à notre époque. Toutefois, le film révèle mieux encore le poids lourd que peut être une fille pour une mère, qui ne la considère pas comme un individu mais comme une continuité de sa personne. En d’autres termes, lorsque la mère ne comprend pas que sa fille puisse être Une Autre… On sent la mère envieuse et possessive lorsqu’elle adule explicitement Vincent sous les regards gênés de sa fille. Que ce serait-il passé si Vincent avait succombé à ses invitations ? Mais on la retrouve libérée quand Safrane, euphorique, l’appelle un matin, pas loin du pont Saint-Louis, pour lui dire qu’elle a fini par conclure avec Jonathan. La rupture parentale semble s’exprimer d’ailleurs par la mort du poisson rouge vivant dans le sac à main et donné auparavant par notre couturier national sous les implorations divines d’Eddie. Par ailleurs, il semble que la libération soit réciproque : Safrane est dorénavant radieuse tout comme sa mère agréablement surprise de la nouvelle. Cette fin qui en vérité n’en est pas une, puisqu’elle ouvre davantage le film qu’elle ne le ferme, justifie que Safrane était pour sa mère source d’incompréhension dont elle n’arrivait pas à se soustraire. La rupture, dont la mort du poisson rouge est l’allégorie, traduit assez bien une autonomie à venir…  Aurons-nous prochainement la chance de découvrir le portrait de Safrane en maman peut-être moins baroque aux côtés d’une grand-mère comblée...telle qu'a pu l'interpréter Claude Gensac, inoubliable dans "Hibernatus", sous les cris déchirants d'Hubert (Louis De Funès) : "Edmée, elle s'appelle Edmée..."

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Human Nature

"l'essentiel"

Chaque individu est soumis au désir dont l’objet est la cristallisation. Il y a plus de 2000 ans un certain Platon en avait fait une large exposition ! Par ailleurs, l’homme ou la femme ne sont-ils pas l’objet sublimé du désir. Celui sexuel auquel l’individu ne peut échapper tant il contribue de manière essentielle à sa constitution. «Le cœur est grand mais la chair est faible» La pratique sexuelle est inéluctable à l’Homme. Tous les docteurs vous diront que son inexpérience contribue largement à toutes les névroses qui par glissements font émerger toutes les déviances sexuelles du monde : nécrophilie, zoophilie, pédophilie, scatophile, sadomasochisme etc... Allez voir Erika Kohut (Isabelle Huppert) dans le dernier film de Michael Haneke, La pianiste. Vous aurez une traduction, on vous rassure plus soft, plus aiguisée d’une absence charnelle ! Ainsi, l’Homme ne peut se soustraire de la pratique sexuelle qui est en fait un stade essentiel de son évolution, a contrario il sera voué à la divergence…   Par ailleurs, si elle ne peut être vécue par le biais d’une indépendance elle ne pourra s’atteindre que par la dépendance, par conséquent, sous la forme d’une dictature ! En outre, on constate «comme c’est bizarre !» que beaucoup de religions se sont vivement acquitté depuis toujours de toute forme sexuelle ! Elles en font une condition mystérieuse redoutable dont elles seules souverainement se prétendent en connaître le mécanisme.Mais, je vous sens, nerveux, brûlant, sur le point d’ergoter : quel rapport ce court extrait pourrait avoir avec le film ?Eh bien c’est que le film y est visiblement tendu ! Nous avons dans l’œuvre de Michel Gondry (un Français !) tout un tas d’éléments qui le circonscrivent. Tout d’abord, Nathan Bronfman (Tim Robbins), employé studieux, allant voir son  Papa et sa Maman une fois la semaine, allégorie de l’individu socialement «normal.» Cependant, on constate que Nathan, élevé par des parents aux traits d’un Ronald et d’une Nancy Reagan passablement ineptes, reflètant l’Amérique rigide et austère, souffre d’un traumatisme infantile. Manichéen, visiblement très marqué par les bonnes manières lorsqu’il s’agit de choisir l’incontestable fourchette, qu’il essaie de transmettre à d’innocentes (mais que fait Brigitte Bardot) souris de laboratoire. Lila Jute ah ! (Patricia Arquette), couverte de poils, nous renvoie, semble-t-il,  l’essence même de la différence que peut être une femme pour l'homme ! Aussi, elle devient l’archétype de la «femelle» captive du concept marital masculin, archaïque des années 60. Lorsque, notamment, elle a «vendu son âme à son mari», oubliant qu’elle pouvait être sujet ! Appliquée, elle patiente adorablement, pour son mari qui rentre de son travail, un livre à la main, assise dans un fauteuil, c’est beau…Gabrielle (Miranda Otto) Wouah… aux reflets volontaires sataniques, semble être l’antithèse de la femme modèle. Pourquoi ? Parce qu’elle est autonome, de plus, elle s’adonne au sexe, elle ! Elle ne peut qu’entacher l’image immaculée que peut être Lila. Puff (Rhys Ifans), qui devait être dans une vie antérieure "le chien de Gabrielle", exprime la trivialité la plus déconcertante. Surtout lorsqu’il se frotte inéluctablement à l’onanisme, intrinsèque à chaque individu, sous le regard effaré de Lila. Par ailleurs, on note le tribunal, symbolisant l’ordre, élément important du film, puisqu’il contribue à sa bonne finalité. Puff sort en quelque sorte vainqueur de ses expériences sexuelles que le film attribue à l’animalité. D’ailleurs, c’est à cet effet que Nathan tente vainement de l’éduquer. C’est parce qu’il considère la pratique sexuelle rattachée à l’animal qu’il désire en écarter Puff. Mais comme nous le disions si, «le cœur est grand la chair est faible.» Puff, n’est pas stupide. Il prétend avoir droit, comme Gabrielle et Nathan ayant sous ses yeux fait l’amour, «sa part de gâteau» dira-t-il au tribunal. D’ailleurs, s’il devient fourbe, c’est qu’il saisit très vite que c’est le seul moyen d’accéder au plaisir charnel. Il semble, par ailleurs, assez malheureux de cette réalité quand on le voit une bouteille à la main jonchant les trottoirs bordés de prostituées. Il sent que l’homme proscrit la sexualité : celui qui désire l’atteindre devient l’esclave du maître qui la condamne. C’est pourquoi, il revient à sa nature animale, aidé de Lila. Tout comme Puff elle ne veut plus être esclave de Nathan. Si l’on étire davantage le film jusqu’à la synthèse, on peut imaginer que l’autorité étatique actuelle, par l’exhibition sexuelle qu’elle autorise, domestique toutes les couches prolétaires. C’est à la sueur de son front, esclave de son maître que l’individu accède à tous ses plaisirs…

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La Répétition

"On ne badine pas avec l'amour"

Catherine Corsini nous montre dans  son film que la vie peut s’avérer une vaste scène ! D'ailleurs ne l'est-elle pas ? Parce qu’elle accède au jeu, Nathalie (Emmanuelle Béart), comédienne, semble mieux vivre son existence que ne peut la vivre Louise (Pascale Buissières), son amie d’enfance, retrouvée dix ans plus tard. Mais Louise ne s’adonne plus au théâtre; comme elles le faisaient ensemble adolescentes . Elle tient avec son conjoint un cabinet dentaire, alors que Nathalie est une actricereconnue. Dès lors on saisit rapidement que Nathalie est multiple dans ses attitudes. Elle joue alors que Louise ne joue pas lorsque qu’elle dit l’aimer depuis toujours. Louise n’arrive pas à saisir que la seule expérience homosexuelle à laquelle Nathalie ait consenti n'était en définitif qu’un jeu. Mais c’est un comble que Nathalie puisse jouer ainsi avec les sentiments, elle devrait savoir qu’«on ne badine pas avec l’amour…» En outre, on ne peut soustraire au film la dialectique du bourreau et de la victime, transperçant la toile pour nous atteindre parfois dans notre propre couple…Lorsque Nathalie se refuse, Louise s’imagine peut-être abandonnée. C’est cet abandon qui l’aspire d’ailleurs à la position de victime, qui à son tour insuffle celle du bourreau ! «Elle ne m’aime plus donc elle m’abandonne, pense-t-elle… ?». On constate que plus Louise se soumet plus elle est prédestinée à l’humiliation de Nathalie. Elle, pleine d’attentions à son égard : lui préparant le petit déjeuner avant d’aller aux répétitions de la pièce de Walter Amar (Jean-Pierre Kalfon) pour laquelle elle l’a aidée pour en être le personnage central. Aussi, la séquence où elle l’aide dans son jeu concernant une scène difficile. Finalement, on s’aperçoit qu’elle lui est totalement soumise, notamment, lorsqu’elle est ballottée par les indécisions de Nathalie. Aussi, lorsqu’elle lui demande de partir ou lorsqu’elle la gifle…En outre, nous savons que ce type de relation est voué à la réciprocité, c’est-à-dire, lorsque la victime désire se venger des humiliations qu’elle estime avoir subies. C’est un peu identique au film de Diane Kurys A la folie, interprété par Béatrice Dalle et Anne Parillaud. On retrouve dans le film à peu près la même structure névrotique des personnages : «Puisque mon amour ne peut t’atteindre, tu devras souffrir comme je souffre de ne pas être aimée». Mais en vérité, et c’est là peut-être le plus tragique, c’est qu’il s’agit toujours d’amour : « si mes sentiment ne peuvent aboutir, seule ma haine survivra à notre amour ! » L’élément commun, qui dans le film réunit Nathalie et Louise, est leur impuissance à définir réellement la part de jeu qu’il peut y avoir dans la vie. Louise souffre parce qu’elle est incapable d’inscrire dans sa vie le jeu. Comme son expériencehomosexuelle, alors que Nathalie souffre probablement aussi que la vie ne puisse être un jeu. En d’autres termes, nous avons Nathalie qui joue de trop et Louise qui ne joue pas assez ! Seulement, le film s’ouvre à l’injustice car Nathalie comédienne, rayonne dans le jeu d’être une autre. Louise en est incapable. Son activité de chirurgienne prothésiste insuffle le pragmatisme, alors que celle de Nathalie offre une place très large à la légèreté.Comme nous l’avons posé au début, il s’agit de savoir si la vie est vraiment une vaste scène de théâtre ? Avons-nous recours au jeu ? Est-ce que nous nous dissimulons en toutes circonstances derrière plusieurs visages ? Est-ce que la vie est une scène vouée à la répétition, est-ce qu'elle une farce, est-ce que l'amour en est une ?

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The Pledge.

Il était une fois...

"Il était une fois, un homme, il s’appelait Jerry Black (Jack Nicholson). Il était policier. Un soir, où il y a avait de la neige et où il faisait froid, il entre dans un bar. Quand il entre, c’est pour lui une grande surprise. Tous ses amis l’attendaient pour lui souhaiter une joyeuse retraite. Jack est heureux, il reçoit plein de cadeaux, dont un très gros qui lui fait vraiment plaisir : c’est un voyage au Mexique pour aller pêcher le poisson. Jack adore pêcher. Souvent on pouvait le voir seul aller au bord des eaux glacées des environs de Reno, entouré des montagnes et des forêts, pêcher le saumon. Pendant la soirée ily a une catastrophe. Une terrible nouvelle. Jack apprend de ses collègues de travail qu’on a retrouvé une petite fille assassinée, dans la neige, habillée d’une robe rouge. Jack se doit d’aller apprendre la terrible nouvelle aux parents de la petite fille qui étaient éleveurs de dinde. Il prend beaucoup de courage avant d’entrer dans la grange. Mais Jack est courageux, il est policier. La nouvelle entendue, la maman fond en larmes, aussi, le papa de la petite fille. Ils sont tous les deux très tristes. Sous les pleurs douloureux de la mère, Jack finit par accepter la promesse qu’elle lui demande : retrouver le coupable de la chose horrible qu’on a faite à sa petite fille. Jack jure devant le crucifix qu’il retrouvera le fautif. Il engage avec sa promesse le salut de son âme. Pour son bonheur à tout jamais dans le ciel il fallait maintenant que Jack retrouve coûte que coûte le coupable du crime de la petite fille. Un petit garçon qui était passé par-là, par hasard, avait vu un homme proche de la forêt. A l’endroit où la petite fille avait été retrouvée par les policiers. Il a très peur. Mais il finit par parler à la police. L’homme est identifié et fait prisonnier par Jack et ses amis. Puis, l’homme que tout le monde imagine être le coupable du meurtre de la petite fille, se donne la mort dans le commissariat de police. Jack ne croit pas que l’homme qui s’est donné la mort sous ses yeux soit le vrai coupable. Alors, il part dans la forêt et les montagnes, survolées de grands oiseaux migrateurs, pour chercher le vrai meurtrier. Il l’a promis. Il doit le trouver sinon son âme n’ira pas au paradis. Seul dans la forêt il cherche, cherche et cherche encore sans jamais trouver. Finalement, il comprend qu’il n’y a pas de coupable mais qu’il n'y a que des victimes, alors, il devient fou…"

C’est un peu sous cet angle qu’on pourrait parler du film de Sean Penn. Pourquoi ? Parce que tous les éléments du film y participent ! Tout d’abord, il faut souligner que Sean Penn, bad boy du cinéma américain, aux allures rock’ n’roll, dissimulant, nous en sommes sûr, une grande sensibilité, s’attaque à un sujet très explosif : le crime d’enfant. Il avait déjà mis les doigts à la poudrière lors de son précédent film, The Crossing Guard, accompagné de son complice de toujours, Jack Nichloson. Il faut bien dire que c’est un sujet épineux. Y participer c’est un peu se faire l’avocat du diable comme avait pu le faire Fritz Lang, réalisateur germano- américain, lorsqu’il avait fait M le maudit (1931). Sean Penn, réalisateur de The pledge, a su merveilleusement sublimer le sujet du film. Principalement lorsqu’il arrive, aidé du style, à l’intégrer au conte. Une histoire qu’on raconterait aux enfants avant de s’endormir. L’assassin éventuel est représenté dans le dessin de la petite fille, établi avant qu’elle ne soit assassinée dans la forêt. Il est à l’image d’un géant habillé en noir. Il ressemble à un porc-épic. Il est dessiné à côté d’arbres élevés, près d’une grande voiture noire. Le dessin est en quelque sorte la pièce maîtresse, énigmatique, autour duquel le film semble avoir été construit. De plus, les montagnes, les lacs, la neige, le froid, les oiseaux, sont des éléments qui insufflent au film une grande part d’étrangeté et de féerie importantes dans tous les contes. Aussi, la forêt est un élément qui appuie l’idée du mystère et de la perdition. La robe rouge, les petits porcs-épics achetés par Jack ; le bonhomme de neige fait par la fille de Lori (Robin Wright Penn) sont des objets qu’il est facile d’intégrer aux histoires. C’est pourquoi, tout le film est traité sous une forme de conte… Une histoire qu’on raconterait aux enfantsavant de s’endormir. D’ailleurs, il est important de rappeler que le film découle d’un roman La promesse de Friedrich Dürrenmatt. Cette construction, où l’atrocité semble alors se liquider plus facilement, a été probablement pour Sean Penn le moyen pour évoquer ce terrible sujet qui tous nous rattache. Elle y contribue davantage lorsque finalement on s’aperçoit qu’il n’y pas de coupable mais qu’il n’y a que des victimes ! Des victimes innocentes ! Le géant, habillé en noir, reste invisible. Jack dans son avidité de trouver le coupable parce qu’il y a engagé le salut de son âme finit par tout perdre : sa femme Lori et sa petite fille. Il finit ivre, seul et abandonné, dans sa quête impossible...

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Sur mes lèvres.

C’est écrit sur mes lèvres…

Elle s’appelle Carla Bhem, elle travaille à la Sédim, une entreprise immobilière. Carla semble enfermée dans un mutisme : elle ne dit rien quand ses assistants renversent du café sur ses dossiers ni même quand ce sont les coursiers. Elle n’ose pas dire grand-chose lorsque Monsieur Keller, un collègue, s’acquitte régulièrement, comme les autres, de tout son travail pour aller semble-t-il s’en glorifier par la suite au patron de la boîte. En vérité, c’est parce qu’elle estmalentendante et qu’elle souffre sûrement d’un complexe d’infériorité qu’elle reste muette à la vie comme au travail. On se souvient de sa crainte, résultat de son évanouissement quand son patron l’appelle dans son bureau. Elle lui dira « vous voulez me remplacer» croyant qu’il voulait la licencier. Dans sa vie on la devine terriblement seule. On saisit que l’annonce qu’elle passe à l’ANPE pour se faire aider dans son travail, ressemble plus à celle que pourrait faire une jeune femme dans une agence matrimoniale. Elle dit vouloir, « …un homme… 25 ans…plutôt gentil, avec des belles mains… ». Lorsqu’elle prend son train pour aller à son travail elle ne voit que des gens qui s’aiment. Le film s’ouvre à l’injustice, on sait qu’elle peut lire sur les lèvres des autres, ceux qui se prennent la main et qu’elle ne peut atteindre que du bout des lèvres. A la cantine ce sont des magazines, des photos d’amour, qu’elle survole et qu’elle ne vit pas. On la sent terrifiée par l’autre, par l’idée d’une relation « …c’est compliqué la vie de couple» dira-t-elle à son amie Annie, qui vient fréquemment squatter chez elle pour s’adonner à l’adultère. Très vite, on saisit que Carla c’est la brave fille de l’histoire qui ne sait jamais refuser et qui prend tout sur elle. De plus, innocente, quand le jeune Paul Angeli, ancien de Fleury,  embauché par elle dans l’entreprise, lui dit devoir 70000 francs à Marchand (Olivier Gourmet) : « si vous ne les avez pas qu’est-ce qui vont vous faire ? » Aussi, un brin frustrée sexuellement quand cette copine Annie, lui parle tout le temps sous ses regards gênés, de sa relation sulfureuse avec Richard « …j’pensais pas que ça existait…le cul comme ça …n’être plus qu’un morceau de viande et d’être souillée à ce point-là ». Pour tout cela, on sent Carla pas sûre d’elle, candide, frustrée. Un peu déconnectée avec la vie, au sens propre comme au sens figuré. Tourmentée par le monde. D’ailleurs, on a la sensation que la société lui fait peur. Souvent, elle se coupe délibérément des autres lorsqu’elle débranche ses appareils auditifs. On se souvient de son rendez-vous dans la boîte, le Rubis. Aussi, du bébé d’Annie... De plus, lorsqu’on lui parle, elle ne saisit pas toujours la première fois. On imagine qu’elle aurait tendance à débrancher volontairement sa mécanique auditive  afin de n’être plus en contact avec les autres. Finalement, on saisit que le film raconte l’histoire d’une jeune femme qui par un handicap semble complètement tronquée sur le plan affectif. Il y a quelques scènes qui traduisent bien son incapacité et son manque d’assurance, ce sont celles où devant la glace elle se prête régulièrement à une sorte de rituel nue face au miroir. Visiblement dubitative devant son corps, humant la chemise ou le duvet du jeune Paul Angeli. Lorsqu'elle s'entraîne seule chez elle au rendez-vous avec lui à la boîte. Aussi, quand son amour pour lui n’est véhiculé que par son aide à lui trouver un appartement ou à l’aider dans son travail. Pour cela, on comprend que Carla est une jeune femme avec laquelle il faut tout deviner, tout ce qu’elle dissimule dans sa tête. D’ailleurs, il ne sait pas réellement ce qu’elle veut, le sait-elle elle-même ? Tous les faits et gestes qu’elle fait à l’encontre du jeune Angeli évoquent l’idée d’un amour alambiqué, qu’il faudrait sans cesse décrypter et analyser sur ses lèvres. Il y a une scène qui résume assez bien cette idée où tout serait écrit sur la bouche de Carla. C’est la séquence où Paul, prisonnier de l’appartement d’en face, lui dit ce qu’elle doit faire. Il y a là l’idée très nette d’un véritable orgasme. On ressort du film changé. On a le réflexe peut-être un peu puéril de comprendre à tout le moins de saisir un peu mieux, l’amour de ces femmes timides et silencieuses.

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A  vendre.

Born to be back.                      

France Robert (Sandrine Kiberlain), jeune femme passionnée de course, vit chez ses parents dans une ferme en Champagne Pouilleuse. Les propos de Marie-Pierre Chénu (Caroline Baehr), jeune coiffeuse du village, interviewée par Luigi Primo (Sergio Castellitto), chargé lui-même par Pierre Lindien ( Jean-François Stévenin) de retrouver  France,  décrit la  fugitive comme une jeune femme discrète, relativement fermée aux autres : « France, elle était amie avec personne…s’était une coincée » explique-t-elle au détective. Après une première relation amoureuse, passionnelle, avec Eric Pacard (Samuel Le Bihan), « jeune séducteur du village », déchue, France quitte la Champagne Pouilleuse pour Roissy, Paris, Grenoble, Marseille, New York, dans l’éventualité d’aller à Gênes en Italie… D’emblée, on semble très loin de ce que nous insufflait Jean Renoir dans Une partie de campagne (1936), Nouvelle de Maupassant adaptée au cinéma. Lorsque le milieu champêtre intègrait inéluctablement  aux personnages du récit la volupté et la joie de vivre.Mais France n’est pas heureuse dans ce petit village de Champagne Pouilleuse. Notamment un jour, lors d’une compétition, lorsqu’elle se voit tout à coup trahie par le jeune Eric Pacard accompagné alors d’une autre jeune femme. Aussi, si plus tard, elle fait payer les hommes, pour s’assurer, comme le soulignait d’ailleurs la réalisatrice Laetitia Masson, de la véracité de leurs sentiments, c’est aussi, sans doute, pour reprendre ce que France Robert estime avoir laissé dans la relation. On se demande ce qu’elle désire réellement trouver en dehors du village qu’elle habitait, si ce n’est l’innocence et l’enivrement d’un premier amour. D’ailleurs, si par la suite notre héroïne joint New York, n’est-ce pas dans l’espoir inconscient d’y retrouver l’image du jeune Pacard rêvant lui aussi d’aller y travailler ?Ce qu’il y a d’étonnant dans le film, c’est cette volonté que peut avoir la jeune réalisatrice pour liquéfier la structure sociale des personnages ou de la rendre finalement futile. Tous les personnages émergent sur le plan social instables ou insatisfaits !Il est simple de constater, par exemple, chez France une réelle instabilité psychologique et même géographique. Aussi, le mariage de Marie-Pierre Chénu comme son travail ne font pas d’elle un individu réellement épanoui. On peut aussi constater cette insuffisance  chez le détective et son ex femme (Mireille Perrier). Comme on peut le sentir aussi chez Pierre Lindien et chez cette femme qu’incarne Valérie Dreville mariée au personnage de Frédéric Pierrot. Le seul qui semble échapper à cette instabilité c’est bien  le jeune Pacard, marié à cette jeune femme Noire. On pense alors que l’équilibre social est ailleurs, qu’il représente l’ inconnu …Il y a chez France l’idée véritable d’une fuite physique, morale et même, comme nous l’avons évoqué, géographique. Une inexorable course où l’effet boomerang la rejette alors dans cet espace, celui de l’ échec. D’ailleurs, toutes les histoires qu’elle connaît avec les hommes sont des fiascos. Il y a probablement chez France ce qu’on appelle le complexe de répétition. Lorsque la relation stigmatisée par la défaite, devient inlassablement un terrain dans lequel on espère en saisir davantage son sens…

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   La merveilleuse visite.  

Un hymne à l’Amour.                 La merveilleuse visite( 1974), est un des derniers films de Carné. Il s’agit d’un conte de Herbert George Wells adapté à l’écran par l’auteur lui-même  mais aussi par Didier Decoin et Robert Valey, aidé de la musique de Allan Stivell. On peut tout de suite, sans doute, penser aux Visiteurs du soir, précisément lorsque le petit garçon amène Jean l’Ange (Gilles Kohler) proche de la fontaine. En  outre, ce qui est exact, c’est que ce dernier film de Carné n’a pas été véritablement reçu par les critiques de la même manière. La merveilleuse visite fut l’objet d’une vive controverse. En quelques lignes le sort en était jeté : il s’agissait pour beaucoup, avant tout, d’une œuvre incomplète où ce jeune premier, Gilles kohler, était jugé au plus mauvais. Aujourd’hui, excepté Gilles colpart (Revue du cinéma n°293) et Michel Ciment (Positif n°165), il est simple de lire sur le film qu’il n’est pas, en quelque sorte, raisonnable !  Mais celles et ceux qui sont venus ergoter le film ont-ils réellement pris le temps d’aller découvrir l’univers de l’auteur ? Il semble que les œuvres du cinéaste, Marcel Carné, soufflent l’idée où l’Amour ne peut se vivre vraiment que dans l’innocence. Il expose alors inéluctablement ses alliés  au risible mais aussi à l’idée d’une chute probable. Cependant, pour l’auteur, l’amour n'est pas personnifié par un individu habillé de fanfreluches chantant avec emphase quelques divines harangues frivoles. Non ! L’amour est pour l’auteur un terrain qui nécessite de l’audace et du courage. Il faut sans doute se montrer courageux  pour dire à quelqu’un qu’on l’aime. On reste admiratif et très ému devant le courage de Anne ( Marie Déa) dans Les Visiteurs du soir, poussée par ce diable, diablement réussi que pouvait être Jules Berry. Sa voix nous résonne encore dans nos oreilles : « Je suis le Diable. Mais vous ne comprenez pas ce que je vous dis, moi… ? Je suis le Diable…oui, le Diable ! ». Puis ce moment sublime, accompagné alors de Anne, lorsqu’il la pousse à formuler son amour pour Gilles. On ne peut qu’être touché par cette jeune femme, promise alors à Renaud (Marcel Herrand), seule à cette seconde, fragilisée, osant s’écrier devant toute une assemblée : «…Je suis enfermée ici parce qu’on m’empêche d’aimer celui que j’aime…j’aime Gilles…, non seulement je l’aime mais je n’ai qu’un seul désir, c’est d’être auprès de lui et de partager son sort…pour le meilleur et pour le pire… »Ainsi, on peut saisir que pour l’auteur l’amour n’est pas désuet, il peut mener à la mort. On se rappelle, par exemple, du sort tragique de Mic ( Pascale Petit) dans Les Tricheurs (1958). On croit entendre encore Alfred de Musset : « on ne badine pas avec l’amour ! ». Dans La merveilleuse visite, il semble que l’auteur atteint un paroxysme concernant son cinéma. Dans le film, le personnage incarné par Gilles Kohler est un peu l’archétype de l’innocence. Il est jeune, beau, novice. Son visage lisse, exprime la candeur. On reste perplexe, lorsqu’il fixe une antenne télé sur le toit du presbytère croyant qu’il s’agit d’un perchoir pour les oiseaux. Tout comme lorsqu’il ignore qu’il faut payer les bonbons qu’il offre au jeune enfant. On reste  enthousiaste face au  courage de  Jean, prétendant être un ange venu du ciel, lorsque seul il affronte tous ceux du village. Aussi, lorsqu’il dit à cette brute que peut interpréter  Jean-Pierre Castaldi, qu’il fréquente son amie, Délia ( Déborah Berger), de manière tout à fait chaste. C’est ici que le barbarisme des hommes le rattrape pour qu’il soit alors jugé et condamné. Comme le soulignait Michel Ciment, Marcel Carné a sans doute voulu nous faire partager son interrogation « purement » sexuel le concernant des anges. Il semble aussi que le réalisateur  ait souhaité nous souffler que l’innocence, élément sublime de l’amour, n’a plus réellement de place dans notre société. On comprend alors peut-être mieux le sort de Jean.Toutefois, on note qu’il y a toujours chez l’auteur un exutoire dans cet amour innocent voué aux affres d’une réalité parfois cruelle. On se rappelle de celui de Michel (Gerard Philippe), cette porte qu’il franchit dans Juliette ou la clé des songes (1950), où il est écrit Danger de mort . Une porte qu’il risque pour aller rejoindre Juliette que peut incarner la remarquable Suzanne Cloutier. Dans la merveilleuse visite, on note que notre Ange s’en sort. Aussi, on pense qu’il échappe à ses poursuivants parce qu’il n’est pas seul à croire en cette innocence. C’est ici qu’on peut constater le merveilleux personnage, Mesnard, campé par Roland Lesaffre, figure emblématique des films de Carné. Mesnard est seul lorsqu’il refuse les théories du recteur (Lucien Barjon). Il est seul dans le film à croire à l’angélisme de ce jeune homme parce qu’il en est lui-même sans doute imprégné.

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…et si c’était vrai ?

 Jack Arnold, réalisateur américain né en 1916 fut l’un des maîtres incontestés du genre fantastique. On se rappelle encore de ce monstre merveilleux en trois dimensions, bien que parfois trop naïf dans ses attitudes, que pouvait être celui que l’auteur avait crée dans L’étrange créature du lac Noir en 1954. Mais encore de ce monstre cyclope, un peu trop kitch, venu de l’espace pour réparer son vaisseau spatial dans Le météore de la nuit ( It came from outer space 1953). Un film qui d’ailleurs était prévu également en trois dimensions. Des oeuvres souvent à petit budget dont certaines réalisées en studio, comme Le météore de la nuit révélant toutefois un grand professionnalisme. L’auteur voulant sans doute se diversifier, s’est essayé au western tel que Man in the shadow avec Orson Welles et Jeff Chandler mais encore No name on the bullet qui n’ont pas eu, semble-t-il l’écho attendu. Il n’en demeure pas moins que Jack Arnold réalisant L’homme qui rétrécit ( the incredible shrinking man en 1957 renforce ici son art. Ses œuvres sont toujours profondes insufflant une réflexion incontestable sur la nature Humaine. L’homme qui rétrécit participe à tout un concept philosophique du plus petit à l’infiniment grand. On reste perplexe face aux paroles de Scott, protagoniste de ce film : « A l’échelle de la nature, le néant n’existe pas ! ». D’autre part, cette œuvre fait apparaître les dangers que peuvent être les expériences nucléaires. Une idée qui se retrouve aussi beaucoup dans les films de Robert Wise, précisément l’inoubliable The day the Earth stood still (1951). En outre, le film de Jack Arnold raconte l’histoire de Scott Carey (Grant Williams) qui pendant un voyage en mer sur son bateau accompagné de sa femme qu’incarne Randy Stuart croisent inopinément un nuage radioactif. Parce qu’il a été le seul à y être exposé notre protagoniste ne cesse de rétrécir sous l’œil impuissant de sa femme et d’un grand spécialiste. Acculé à un monde toujours plus petit Scott vivra des moments inoubliables révélant toute son Humanité. On s’émoustille encore de cette séquence où celui-ci vit alors dans une maison de poupée « Barbie » et lorsqu’il est attaqué par le chat oublié par sa maîtresse. Mais encore lorsqu’il combat vaillamment une araignée pour un malheureux morceau de gâteau oublié à la cave, objet délectable pour une survie. On pourrait penser que Scott est devenu un petit sauvage. En vérité, ses actions et son crime sont guidés par ce sentiment primitif que portent tous les animaux sauvages : tuer pour survivre ! C’est d’ailleurs paradoxalement ce sentiment bestial mais légitime  qui élève Scott  au dessus de tous les Hommes. Car si du sang coule aujourd’hui ce n’est pas exactement pour des raisons alimentaires. Il semble que l’Homme depuis sa création de cesse de croître dans son désir de posséder et d’asservir. Faut-il penser que Scott, ce minuscule petit homme soit ainsi noyé lui-même dans le tourbillon d’une Humanité plus grande et incertaine ?

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Daredevil

Une justice aveugle

Avant d’être avocat Matt Murdock (Ben Affleck) était un enfant qui adorait son père. Boxeur, Jack Murdock (David Keith), le papa du jeune fils, est englué malgré lui dans une affaire de matchs truqués. Un soir qu’il refuse d’aller au tapis, il se fait sérieusement arrangé par les hommes de Fisk (Michael Clarke Duncan), le chef de la bande, ce géant Noir qui creva réellement les écrans dans La ligne verte (The green mile) de Frank Darabont (1999). Mais la bagarre tourne mal, le père y laisse la vie. L’enfant témoin du meurtre et alors pris en chasse par les hommes de Fisk. Au cours d’une échappée le jeune garçon perd la vue. A l’âge adulte Matt Murdock devient avocat, il choisit le coté de la Loi. Le jour il exerce son métier d’avocat au service visiblement des plus démunis. Mais le soir et sous le masque de Daredevil, il continue en quelque sorte physiquement ses plaidoiries. Puis entre dans sa vie Electra (Jennifer Garner), jeune femme aux formes oblongues qui deviendra plus tard sa partenaire. Mais il y a sur le compte de son père un contrat : Bullseye (Colin Farrell), accolyte de Fisk, doit éliminer le papa de Electra. On imagine alors ce que peut ressentir Daredevil. C’est sans doute pour lui une occasion de renouer avec son passé et de se venger.Mais il y a dans Daredevil, le film de Maric Steven Johnson, deux dimensions convergentes importantes : la première c’est l’image de ce qui est légitime sur une limite essentiellement parentale. L’autre c’est la représentation  d’une justice réfléchie différente de celle qui est écrite dans les livres et qu’on enseigne aux jeunes avocats.Il est curieux aujourd’hui de constater que beaucoup de jeunes étudiants choisissent le droit. Se sentent-ils écrasés sous l’autorité parentale ? Désirent-ils connaître leurs véritables droits ? En outre, nous savons que les parents représentent pour l’enfant ce qui est intangible à ses yeux. Nous pouvons dire que Matt Murdock est un peu dans cette perspective de recherche. S’il choisit le droit, c’est sans doute pour mieux le connaître. Mais Matt Murdock est non-voyant et c’est précisément là que tout devient intéressant. Parce qu’il y a l’idée de voir ce qui est permis de faire mais aussi l’éventualité d’un refus car Matt est aveugle ! C’est pourquoi, on pense que la seule image de la Loi qu’il peut avoir c’est précisément la sienne ! Une justice qu’il se fait tout seul et qui se heurte à une autre dimension que nous évoquions tout à l’heure, c’est-à-dire, une qu’on lui a enseignée. Mais on imagine que Matt souffre de la dialectique qu’il peut avoir de la justice. On le sent replié sur lui-même, il vit dans des endroits exclusivement sombres. Il émerge aussi comme un individu déchu et coupé du monde : on reste perplexe lorsqu’on l’observe se glisser dans une eau noire et s’enfermer dans son sarcophage pour y passer la nuit. Il semble décidément que tout soit déjà fini pour ce jeune avocat vengeur, «  un homme qui n’a pas peur est un homme sans espoir », explique-t-il, les paroles du jeune Matt Murdock ne résument-elles pas suffisamment son malaise ?

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Influence (People I know)

Welcome to the jungle !

A New York, Eli Wurman (Al Pacino) intégré visiblement à une politique de gauche, travaille dans une association anti-raciale. Habitué des mondanités et chargé d'assister et d'organiser des soirées de soutien contre l'expulsion d'émigrés, un futur gouverneur, Cary Launer (Ryan O'Neal) lui propose un soir de préparer la fuite d'une jeune et jolie starlette droguée en prise avec la justice et dont il est amoureux. Eli accepte à condition que Cary intervienne dans une grande soirée qu'il arrange dans un établissement très connu de la ville appelé "The Palm". L'affaire semble en bonne voie quand, dans la nuit, après une soirée bien arrosée, la jeune femme est assassinée sous les yeux de Eli impuissant. Al Pacino incarne dans le film un homme respecté et connu dans le milieu politique. En revanche, il est terriblement affaibli, sans doute parce qu'il prend conscience que ses démarches sont de plus en plus difficiles à mettre en place. De plus, refuser les avances de son éblouissante belle-sœur, Victoria Gray (Kim Basinger) ne fait-il pas de Eli Wurman un homme plein de sagesse ? C'est donc en homme dévoué, intègre mais aussi abattu qu'il essaie par tous les moyens de pérenniser ce qu'il croit être bon. Eli est fatigué car il comprend probablement qu'il représente un peu une d’espèce en voie de disparition d'une société devenue complètement folle. Il est un peu à l'image de ce vieux cow-boy déchu, Gay Langland, qu'incarnait Clark Gable dans Les désaxés de John Huston tourné en 1961. Quoi qu'il en soit, Daniel Algran avec Influence (People I Know) nous dresse ici un film remarquable et d'une précision visuelle et narrative rarissime. Chaque séquence contribue parfaitement à l'évolution dramatique du récit. On entre doucement dans le film en on semble tout aussi désillusionné et anéanti que Eli tant l'œuvre nous montre combien notre société se sclérose. Notamment par le dernier et magnifique plan du film. Par ailleurs, l'auteur dévoile en quelques images comment les sociétés fonctionnent. On saisit très vite qu'il y a essentiellement deux pouvoirs sur lesquels s'appuient les gouvernements pour diriger le monde: l'argent et la religion. Il y a dans le film deux personnages qui insufflent très bien cette idée. Le premier personnage, c'est Elliot Sharansky (Richard Schiff), il est celui qui détient tous les capitaux de la ville. Puis, nous avons le Révérend Blunt (Bill Nunn), il symbolise la religion chrétienne et des serviteurs Noirs opprimés. Quand Eli Wurman tente de les réunir dans la cuisine du Palm, on comprend que cette séquence enferme toute la substance du film. Les plus riches dirigent les sociétés alors que la religion n'est qu'un remède à la misère. En vérité, il s'agit de deux éléments déterminants pour le pouvoir. L'argent agit sur l'individu et la religion agit sur celui qui n'en a pas ! On sent que Eli Wurman représente un peu un barrage entre ces deux frontières pour que la ville ne sombre pas dans la barbarie. Mais le travail de Eli est tellement épuisant que le jeune homme qui occupe avec lui l'association finit par jeter l'éponge. On pense que Eli est désormais seul pour la diriger. Mais qu'adviendra-t-il le jour où des gens comme Eli Wurman n'existeront plus ?

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